从5月18日至5月31日，由中共云南省委宣传部、北京市文化局主办的“日出东方——周昌新艺术展”在中国国家博物馆展出。此次展出的113幅作品也是“周昌新艺术世界巡回展”继意大利、法国、德国、比利时、荷兰等国家展出后在国内的首次亮相。

从中西方绘画艺术交汇开始，许多艺术家就不得不在“过度崇外”和“过度排外”两种文化病之间试探、徘徊。如何让真正的创新在“混血”中产生？油画在中国发展的百年命运无不体现着对这个问题的解答。

对此，周昌新提出了一个新的答案：重彩油画。以西方油画为传播媒介，让中国文化通过这一形式得到更加广泛的传播，是他的创新与努力。自郎世宁等西洋画师将油画传入中国，到徐悲鸿、林风眠于油画中引入西方精神，再到周昌新的“中体西用”，这背后究竟经历了何种时代变化？为此，凤凰网访谈员任冠青特别专访了知名画家周昌新先生，听听他如何解读“重彩油画”之用。

凤凰网：很多人一说到中国传统绘画就会想到水墨画，但你提出重彩画也是中国传统绘画的一大体系，比如敦煌的壁画。能否简单介绍一下重彩画的特点，以及为何现在人们提起它时往往感觉比较遥远和陌生？

周昌新：在中国绘画几千年的传承中，最开始并没有水墨画，而是重彩画。它最早从印度传到中国，最初叫做“天竺画法”。后来经过中国艺术家的创造，变为了重彩画。中国的重彩画体系是中国绘画发展的主线，到了唐朝就已经发展得很辉煌了。

而中国的水墨画是在宋代以后才开始兴起的。一开始它并不是严肃的艺术，但因为画水墨的人影响力比较大，所以水墨画就逐渐风行起来了。慢慢地，就把重彩画给淡化了。

重彩画到近代发展得不好，也是因为重彩画很多都是在画壁画，像敦煌壁画。以前很多壁画都是在寺庙里面的。现在因为壁画越来越少，所以中国的重彩画能够和观众见面，能够产生影响力的作品就越来越少。在这种情况下，水墨画就逐渐变成了主流。

凤凰网：那么中国重彩画的传统与西方油画的主要区别是什么？

周昌新：重彩画整个绘画表现体系和西方的完全不一样。中国工笔重彩画对色彩的理解很多都具有主观色彩，并不完全写实，而是以形写实，融入艺术家个人主观色彩，把它变成一个有创造力的色彩画面。中国的重彩画重哲学、重生命，而西方的油画是重写实、重科学。其实，哲学和科学是没有矛盾的。一个科学的、美丽的生命，它是更具有魅力的。

凤凰网：这也是为什么你提出“重彩油画”这个概念。它很有意思，以油画为形式，但目的是传递中国的文化。这是不是有一种“中学为体，西学为用”这样的意味？

周昌新：六百多年前，西方油画才刚刚开始研制颜料。而那个时候，中国重彩画对人物形象的造型能力，已经登峰造极。像是在法海寺壁画里面，动物连毛细血孔都画出来了。所以说，中国画有着很强的造型能力，在色彩方面有极高的创造性，它并不照事物本身的色彩去描写。

但是千百年来的发展，在形成一个又一个高峰之后，我们当代的中国重彩画，工笔重彩画的画家，究竟在当代是进步了还是退步了，是一个问题。我相信现在没有任何一个工笔重彩画家，敢说自己的作品水平超过了敦煌、超过了法海寺的壁画。最主要的原因是重彩画的发展，到了一定的瓶颈。

凤凰网：其实将油画同中国传统绘画相结合的努力，自徐悲鸿、林风眠就已开始，但他们的着力点多在将西方精神引进来，你却更关注让中国文化走出去。为何会有这一转向？

周昌新：中国油画画了一百多年，前面几代的油画家给我们探明了很多可能与不可能。一百多年来，中国油画家走进了几个误区。比如，用油画来画中国画。像郎世宁一样，完全画得像中国的工笔重彩一样，把油画的特性完全失去了。再比如，用油画来画中国题材：像是少数民族题材、中国风景等等。其实，这些做法都没有真正解决问题。

真正的创新是要让西方的油画和中国绘画产生化学反应，是一种血液和灵魂的融合。就像是驴和马生的骡子，既不是驴也不是马，而是传承了驴和马的优点。东西方两种艺术形式结合以后，只有创造出第三个艺术生命体，才是真正融合的结果。

凤凰网：恰到好处的融合与创新，说起来很简单，但做起来很难，你本人的经验是什么？怎样让真正的创新在这种“混血”中产生？

周昌新：东西方艺术的融合，是血液和灵魂的融合，并不是简单的油画刀加毛笔或是油画布加宣纸。如果搭配不好，可能会不伦不类，只有搭配好了，才会有感觉。

融合的最高境界就是没有痕迹，这才会推动一个新的文化业态出现。新的文化形态的出现，才是对中国的绘画、对西方绘画有推进和发展作用。

凤凰网：今天(5月18日)上午在画展上，有一位来自纽约的艺术史专家跟我说：任何懂得欣赏自然之美的人都会懂你的画。似乎你的画作在跨文化交流中也是比较顺畅的。可是有时不同文化撞击的结果往往是苦涩的，它会伴随着很多不理解。对你来说，要让世界真正了解中国，在艺术上有何要诀？

周昌新：凡是艺术，没有国界。可是艺术语言是分民族性和国际性的。有一些艺术语言仅限于在本民族内使用，别的民族看不懂。有一些艺术则是世界性的，比如说油画和印度音乐。

跟外国人交流时，讲普通话对方是听不懂的。我现在等于是用英语在介绍中国，因为油画是世界绘画语言的“英语”，我是用英语来介绍中国、表现中国。我们要知道国际性和民族性间的紧密关系，民族的不一定是世界的，民族的要为社会做出了贡献，才是世界的。

凤凰网：你曾经到世界各地采风，画作也在德国、比利时、荷兰等国展览。这一经历让我想到著名诗人泰戈尔，他也曾到世界各地，留下很多精彩的画作，被称为一个“多彩的世界主义者”。你如何看待世界主义和民族主义的关系？

周昌新：我的世界巡展题目就是“多姿生命，多彩线条”。不管是艺术还是民族，我都把它们比喻成一片森林，叫世界民族(艺术)之林。我们中华民族要在这片林子里面显示出来，必须做到我们树的形状、高矮、体量、叶子的色彩要完全和别人不一样。

文化多样性是这个社会发展、生态发展和生物链发展的需要。因为不一样，所以才会给人带来喜悦和欣喜。

凤凰网：你的创作足迹遍布中国，号称是“绘画界的徐霞客”。在画过无数个地方之后，你最大的收获是什么？行走的意义到底是什么？

周昌新：我曾经说过，一个艺术家，很多人说去“采风”。其实，那个“风”是采不着的。你去看一个农民犁田，看一个农民插秧，都不如自己亲自去插一下。作为一个旁观者，和你自己能够融入这个社会，体验是不一样的。

艺术家真的要有强有力的生活基础，才可以悟出来他要表现什么，什么东西对人类的发展、对社会的发展、对社会前进是有推动力的。天天在家里闭门苦思，能想出什么来呢？作为一个艺术家，在有了一定基础之后，就可以在社会中边走边学，向社会学习，向大自然学习。所有艺术创作的源泉，全部来源于生活，来源于这个社会，来源于大自然的一切。

凤凰网：你对绘画和音乐关系的理解颇有意思，比如说在画《中华魂》的时候，你同时在听《黄河大合唱》等歌曲。其实音乐的跨界性在很多领域都有体现，比如海明威《永别了，武器》第一部分听起来就像《勃兰登堡协奏曲》。具体来讲，音乐是如何影响你的绘画的？

周昌新：你这个问题问得很好，所有的画家，如果说是不懂音乐，他就不能叫一个画家。音乐和绘画是一个东西，不是两个东西。只不过音乐是用来收听的，绘画是用眼睛看的，一个是视觉艺术，一个是听觉艺术。除此之外，别无他样。

一个音乐家终生追求什么？终生追求用音符、歌声和韵律去表现最美的旋律。一个画家则穷其一生去追求用画面去表现音乐、表现节奏、表现旋律。所以说，音乐和绘画密不可分，是姊妹艺术。

凤凰网：我看你的许多画作都是积极乐观、充满向上力量的，几乎没有看到什么具有负面情绪的作品。作为一个画家，是如何保持这种持续的精神状态和艺术的野性？

周昌新：我不是没有痛苦，我不是没有不开心，但是我的痛苦和不开心永远不会带到我的画里。

凤凰网：但痛苦不也是许多伟大创作的一个重要来源吗？

周昌新：人的一辈子会碰到各种各样的事情，都没有那么一帆风顺。但是，我不管是碰到什么事，都不会把我的悲观情绪、负面情感带入我的画里面。

我认为，艺术一定要能够是对人的社会发展和生存发展起到作用，有良好的启迪，这是艺术家的使命。艺术家不能在创造作品的时候，让人悲哀，让人失去生活的希望，让人颓废。

凤凰网：所以你是很有观者意识的一个画家？

周昌新：对，这种意识作为艺术家是要有的，因为艺术家的作品会影响到很多的人。如果说你思想本身有问题，是不能当艺术家的。你的画挂家里，就会影响家人；拿到社会上去，就会影响到社会人。

作为一个艺术家，不能自私，不能把自己的悲观情绪带入自己的画里边，这是一个艺术家的社会责任。所以，我觉得作为一个艺术家，不单单是在画画，而是在全面修行。

还有一点就是很多的艺术家，会很悲观，或者很惨的社会现象，这个我是不提倡的。任何的苦难在这个地球上、在时间长河中，都是一丁点、一瞬间的，过了就过了。艺术家去表现痛苦，解决不了问题还会让更多的人悲伤，失去生活的信心，这种作品是毫无价值观毫无意义的。

对于一个艺术家来说，画什么很重要，要选择自己最该去画的东西，最具价值的东西去表现。所以一个画家一辈子就做两件事，一个是画什么，一个是怎么画，这两个事是一个艺术家一辈子要琢磨的。